Petite Antigone de rien du tout
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Petite Antigone de rien du tout
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cette meuf relou qui pense que 98% des choses aimées par les autres (et elle-même) sont de droite
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En terme visuel, Les belles cicatrices de Raphaël Jouzeau utilise vraiment intelligemment son médium de l'animation pour rendre à l'image tout le sensoriel et les angoisses. Surtout, de façon vraiment intéressante, il crée de l'intime par l'image. Cela étant dit, j'ai eu beaucoup de mal avec l'histoire car je n'ai pas éprouvé d'empathie pour un homme qui emprisonne une femme dans ses émotions à lui, qui la force à souffrir, qui la force à l'écouter. Dans la vie parfois c'est très important de se parler mais il faut aussi accepter le temps que l'autre veut prendre et là il y a juste le spectacle d'un type désagréable qui force énormément. Ça m'a sortie de l'émotion, et m'a fait me dire que cette femme a biiiien fait de se libérer.
January 31, 2026 at 8:08 PM
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Fresh Kill de Shu Lea Cheang c'est tout le cinéma qui me parle. Il se veut profondément politique et une critique des médias. Pour ce faire, il n'adopte jamais les formes dominantes de montage, de décors, de photo, de récit même. Sa subversion est à l'échelle humaine où l'heterosexualité n'est plus au centre, où les familles sont toutes interraciales, où rien ne suit les normes, justes les désirs, les envies, les solidarités. Et au milieu de ça émerge un propos sur la pollution et son aspect coloniale, rappelant comme l'occident jette ses déchets sur elle et surtout sur les autres ; et en parallèle est mené un discours sur la folie des médias dominants - ici la télé - qui alienent. Datant des années 90 le film représente internet comme un futur lieu de potentielle libération (malheureusement l'Histoire n'a pas été en ce sens...). Le film est pamphlétaire, son but n'est pas d'être fin mais de jouer, d'être satyrique et de condamner. Ses panneaux finaux rappellent que cette folie occidentale existent bien et tue. C'est juste génial.
January 30, 2026 at 4:57 PM
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L'Épreuve du feu d'Aurélien Peyre réussit particulièrement dans sa capacité à brasser beaucoup de thématiques. Il mêle la masculinité, au harcèlement, au mépris bourgeois, une façon brillante et politiquement pertinente de rappeler que tout ça est toujours lié sous le nom d'oppression systémique. Dans ce récit de frustration la mise en scène se concentre énormément sur les regards car, finalement, comme la belle île qui est représentée ou comme le personnage qui a voulu "changer de corps" tout est affaire de comment on veut être perçu. Il y a un thème que j'ai particulièrement apprécié, pas si souvent traité en fiction : celui des hommes qui s’accolent à des femmes lumineuses et bavardes car ça les fait se sentir mieux mais qu'ils ne les voient que comme un divertissement, un petit animal dont ils auraient le droit de se lasser. La fin est dans ce sujet très belle, assez déchirante.
January 29, 2026 at 1:21 PM
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Le problème d'Hamnet de Chloé Zhao c'est qu'il n'est construit que sur des tropes de fictions. Il y a la femme nature/sacrée, l'homme artiste plus terre à terre, l'art utilisé pour le méta, les jumeaux fusion, les disputes suite aux deuils, la musique On the nature of daylight... Bâti sur des lieux-commun bien filmés il offre une vision ultra moderne de la création, ultra théorie des auteurs où chaque vers évoquerait le vécu (la première scène to be or not to be, pitié....). Aussi, il fabrique un personnage féminin qui en passant de sorcière-sauvage à mère ultra intense manque finalement un peu de substance. Heureusement la sublime mise en scène de Chloé Zhao aide à élever le récit cliché avec des plans forts qui portent le drame et l'aident à exister dans une certaine singularité et poésie réussies. Le climax du film malgré son aspect très attendu fonctionne et j'aime quand le monde s'arrête pour pleurer la peine des autres. Il reste de belles choses mais finalement ça ne raconte pas grand chose sur le deuil, ça le filme juste bien. Est-ce suffisant ? Pas forcément pour moi.
January 25, 2026 at 10:07 AM
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Dans La Nation Clandestine de Jorge Sanjinés on suit le parcours de Sebastian, un Aymara qui souhaite retourner dans sa communauté alors que la Bolivie subit un coup d'État. En chemin il revoit toute sa vie et surtout sa tentative de se fondre dans la ville, de devenir un blanc. Le film mêle ainsi énormément de sujet : il parle de l'impossibilité de se fondre dans le système dominant, des manipulations et de l'instabilité blanche de l'état Bolivien, du lien parfois difficile entre tradition et militantisme, des différences entre les communistes et les Aymaras qui malgré des intérêts communs ne sont pas en phase... Comme le dit Sanjinés lui-même, Sebastian est un homme qui représente tout un peuple laissé en errance dans une société instable qui le maltraite ; un peuple dont la différence effraie, qui n'a pas besoin des pans capitalistes qui détruisent le corps et l'esprit. Radical, touchant, complexe, avec des comédiens évidemment Aymaras, La Nation Clandestine est encore un chef d’œuvre de Sanjinés, une œuvre politique très importante.
January 23, 2026 at 9:45 AM
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Crowdfunding campaign to help end production of the new TV special of "Panique au Village" (A Town Called Panic).
In French >> fr.ulule.com/le-tresor/
January 22, 2026 at 5:37 PM
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C'est ce soir la team si vous voulez venir !!
www.forumdesimages.fr/les-voix-de-...
Les voix de la création palestinienne: Liyla and the Shadows of War x Still Playing | Forum des images
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January 22, 2026 at 9:56 AM
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28 ans plus tard : Le Temple des morts de Nia DaCosta est une suite très réussie. Intelligemment, la réalisatrice ne cherche pas à faire un pastiche de Boyle mais s'approprie le film avec une esthétique plus calme où l'horreur à la manière de Candyman est dans le doute, les psychoses et pas là où on l'attend. On retrouve cette belle attention portée à la nature avec les chants d'oiseaux qui résonnent et la verdure qui a dévoré la ville. Les vestiges urbains sont aussi importants que les os humains dans ce film où le passé obsède les personnages. Quel est ce passé ? Des leçons à tirer, un ordre rassurant, des traumatismes, des bruits stressants ? L'approche est ici plus psychologisante et poursuit l'idée de l'héritage, de la transmission et de comment cela peut être violent. La bande à Jimmy est globalement malheureusement assez ratée et ennuyeuse, sauf une superbe scène de discussion entre le leader et Kelson. De fait tout ce qui concerne ce dernier est plus qu'intéressant, à la foi goofy et philosophique, jamais si profond mais jamais bête non plus. La scène sur l'esprit qui mérite d'être tranquille est vraiment profondément belle à mes yeux.
January 21, 2026 at 10:35 AM
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En montrant la révolte arabe post-seconde guerre mondiale, Palestine 36 d'Annemarie Jacir remet plusieurs choses en place : il contre le récit de peuple soi-disant passif, remet la responsabilité de la colonisation britannique au centre, réinscrit la Palestine dans sa propre histoire avant Israël. La réalisatrice choisit un récit assez choral avec des personnages aux trajectoires morcelées qui représentent plus des symboles que des protagonistes. Je trouve particulièrement intéressant tous les passages autour du capitalisme et de la bourgeoisie rappelant que les colonies et les guerres sont la conclusion d'accords monétaires, d'arrangements pour le commerce, de bourgeois qui préfèrent la thune à leur propre peuple. La réalisation manque malheureusement d'ampleur pour bien porter tout ça et le conflit a l'air confiné au lieu de représenter ce que c'était : un feu révolutionnaire dans la Palestine. Ça reste une œuvre à l'histoire importante fait par des palestiniens avec la Palestine filmée. Mon principal problème : les images d'archives sont assez obviously restaurées et colorisées par l'IA et le résultat est absolument affreux en plus d'être fait avec un procédé discutable. Ça ne détruit pas le film à mes yeux mais j'aurai préféré voir les images telles qu'elles ont été filmées.
January 20, 2026 at 1:00 PM
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Pour infos avec le reste de la team JV au Forum des images on a programmé cette séance jeudi ! On jouera à un jeu palestinien puis on visionnera un film sur le dev du jeu et il y aura une rencontre ensuite :) Venez si vous pouvez !
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Les voix de la création palestinienne: Liyla and the Shadows of War x Still Playing | Forum des images
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January 20, 2026 at 10:05 AM
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Danny Boyle je pourrais jamais lui en vouloir d'essayer des trucs. Sa mise en scène et son montage sont bizarres, ses expérimentations passent mal 85% du temps mais au moins on n'est pas dans une esthétique lisse, léchée et ennuyeuse d'autres films grand public. Ainsi 28 years later a très vite un petit attachement de mon côté, car seconde une il te filme des télétubbies comme des zombis et que dès le début ça ressemble à rien d'autre qu'à du Boyle. L'écriture de Garland est lourde, souvent simpliste, jamais fine mais, pareil, il tente des choses. Dans la grande tradition des meilleurs films de zombis, il continue d'explorer cette figure comme principalement révélatrice de l'horreur humaine. Les communautés qu'il représente oscillent entre catholicisme fascisant et gang ultra violent sans foi. Au milieu il y a un peu d'humanité mais le monde qu'il dépeint est glauque, cruel et un portrait post-brexit saisissant où le Royaume-Uni en perdition est seul, et où l'extérieur n'est guère mieux.
January 19, 2026 at 9:21 AM
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Ma Frère de Lise Akoka et Romane Gueret est un film sur les liens que l'on crée avec les autres. Il met souvent en opposition l'amitié et la famille, une idée thématique importante de la colonie de vacances où, séparé·e de sa famille on s'en crée une autre le temps de quelques jours. Les nouveaux adultes, les chambres partagées, sont autant de miroir de la vie collectives familiales mais avec plus de liberté. Chacun emmène son bagage en colonie mais libéré·e d'une cellule on s'exprime, on se découvre. Le film est très drôle mais aussi très touchant avec surtout une scène déchirante où Fanta Kebe donne beaucoup et très bien. Le film est plein de tristesse finalement. Malgré toute sa joie, sa mélancolie révèle aussi la peur qu'on a pour l'enfance, ce qu'elle vit, ce qu'elle risque et ce qui l'attend.
January 18, 2026 at 10:23 AM
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Ils disent n’importe quoi sur Ådalen 31 (ils n’ont pas du voir les 30 précédents) mais à part ça je recommande fortement ce podcast d’érudits
cinematraque.bsky.social Cinématraque @cinematraque.bsky.social · 19d
Nouvelle année, nouveau départ ! Cinématraque lance son nouveau podcast ON REFAIT LE CANNES !

L'équipe tire au sort une année, puis visionne l'intégralité de la sélection officielle du festival de Cannes avant de remettre ses prix.

1er épisode : 1969 !

www.cinematraque.com/2026/01/12/o...
On refait le Cannes, épisode 1 : Sélection Officielle 1969 - Cinématraque
Bienvenue au Festival de Canne tout le monde ! Nous lançons avec cet épisode une nouvelle série de podcasts Cinématraque […]
www.cinematraque.com
January 15, 2026 at 5:55 PM
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Le Body Snatchers d'Abel Ferrara a déjà la bonne idée de s'inscrire dans l'armée et dans une simili banlieue. Ce décor lui permet de questionner le conformisme de structures américaines déjà aliénantes, ce qu'il appuie avec un final ambigu qui semble juste montrer la violence émanant de l'armée quelque soit le camp. Sa mise en scène est visuellement parfois assez folle avec des plans incompréhensibles (dans le bon sens du termes) et un monstre vraiment morbide et inquiétant. Le soucis vient principalement des piètres acteur·ices qui plombent le récit. L'audace formelle ne suffit pas à compenser un scénario mou, jamais sublimé par ceux qui l'incarnent et dont la force thématique est trop en arrière plan pour être l'intérêt principal. Il y a des idées provocatrices fortes mais un manque de vie qui pèse — genre le protagoniste masculin supposé pas avoir été échangé alors qu'il a l'expressivité d'une brique.
January 15, 2026 at 5:25 PM
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Dans Les Échos du passé de Mascha Schilinski, les fantômes sont partout. Ils hantent les photos, les souvenirs, ils abîment la matière-même du film, perturbent la narration, ils dirigent la mise en scène et sont regardés par les personnages. Jamais je n'ai vu un film aussi hanté. Il est habité subtilement par l'histoire de l'Allemagne, ses guerres qui passent en arrière plan, et plus directement par les corps et les pensées maltraités des femmes. Qu'est-ce qui relit une femme de 1900 et de 2000 ? La douleur. La douleur qu'on porte dans le présent et la douleur de nos sœurs du passé, de nos sœurs du futur, auxquelles on pense tout le temps. C'est en cela que le film est saisissant. Chaque regard caméra t'attrape comme témoin pour constater l'Histoire de la souffrance féminine et pour t'inviter à y entrer avec ton vécu. Ainsi le film aborde la dépression, le suicide, les violences sexuelles mais aussi l'amour, la sororité, et surtout la peur. La peur pour nous et celles autour de nous qui subissent et meurent. C'est un très grand film hanté qui me hantera toujours.
January 13, 2026 at 5:29 PM
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Nouvelle année, nouveau départ ! Cinématraque lance son nouveau podcast ON REFAIT LE CANNES !

L'équipe tire au sort une année, puis visionne l'intégralité de la sélection officielle du festival de Cannes avant de remettre ses prix.

1er épisode : 1969 !

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Bienvenue au Festival de Canne tout le monde ! Nous lançons avec cet épisode une nouvelle série de podcasts Cinématraque […]
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January 12, 2026 at 12:23 PM
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La vie est nulle mais je suis en discussion directe par mail avec Whit Stillman qu'est trop sympa donc ça va un peu
January 12, 2026 at 1:09 PM
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The Princess Bride de Rob Reiner est un film dont certaines pointes d'humour restent très réussies. Parfois la stupidité du tout (le rat géant) emporte le rire et il y a quelque chose d'assez mignon à voir une parodie qui plonge aussi dans le cheesy et veut croire en l'histoire qu'elle raconte. Inigo Montoya (CULTE) par exemple est un gag jusqu'à sa scène clé où on est premier degré avec lui et heureux de ce qu'il remporte. Cela étant dit, il ne réussit pas toujours, est parfois un peu long, ou pas si drôle. C'est un chouette petit film un peu idiot mais à l'humour quand même de temps en temps bien pensé qui se perd un peu dans une parodie souvent "cheap" et étirée. Je pense qu'il faudrait le refaire avec une princesse un peu mieux écrite : soit plus drôle/bête soit au contraire plus maligne/supérieur aux hommes, cela rajouterait une petite couche plus intéressante.
January 12, 2026 at 10:51 AM
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Avec Father Mother Sister Brother, Jim Jarmush est presque radical dans l'inconsistance. Dans les trois petits films qui se suivent il n'y pas de résolution, ni de conclusion, il y a quelque chose de terriblement banal. Les deux premiers courts sont ce qui se rapprochent le plus d'un repas familial dans une famille dysfonctionnelle : les gens se voient sans le vouloir, repartent soulagés de ne plus y être et rien n'a été résolu ou ne serait-ce qu'abordé. Le troisième film est plus doux et assez nostalgique. La famille, celle qu'on a dû mal à voir, manque, ici. Il n'y a plus rien à fuir, juste le vide à rencontrer, et c'est une fois les êtres morts que dans leur affaire on peut commencer à entrevoir qui ils étaient réellement. C'est donc un drôle de film, sans conséquence, sans envolées, juste avec de la douceur et beaucoup de normalité. C'est un portrait léger de la famille comme institution finalement très mystérieuse, où il est difficile de s'épanouir et en même temps qui est la racine de ce qu'on est. Le régime est au minium mais pas déplaisant, personnellement, je prends.
January 11, 2026 at 5:24 PM
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Dans Araya, Margot Benacerraf refuse tout misérabilisme pour faire un portrait poétique qui confine au mythologique d'un village et de sa communauté, isolé·es dans les déserts de sel. Le travail est un rituel, une danse et surtout une collaboration avec la nature, qu'elle soit la mer où les oiseaux. La nature donne, les hommes récupèrent sans l'exploiter. La seule chose qu'ils poussent à bout c'est leur corps mais ils n'abîment pas ce qu'il y a autour d'eux. Le travail ici crée aussi la communauté, chacun a une place pour que le village fonctionne de manière égalitaire. Évidemment, la réalisatrice replace ce commerce du sel dans la logique coloniale, rappelant l'exploitation espagnole en son début et, à sa fin, elle ramène le capitalisme par les machines. Mais elle montre aussi comme un groupe résilient et patient a pu se construire autour de ça et créer sa propre culture vénézuélienne. Finalement, la technologie qui apparaît à la fin est montrée comme monstrueuse car les machines des blancs pour accélérer le processus ne libèrent pas. Elles précarisent, font disparaître les travailleur·euses et détruisent la nature. C'est un documentaire sublime, ultra poétique et politique d'une façon assez unique.
January 8, 2026 at 9:44 AM
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D'une certaine manière, c'est sûrement le manque de budget de Metropolitan de Whit Stillman qui le rend si réussi. Le film est assez âpre avec peu de mouvements de caméra, filmé presqu'uniquement en intérieur... Ainsi sa mise en scène adopte l'ennui de ses protagonistes, des bourgeois et un parvenu, qui font tout pour rendre excitante leur vie en doute. Parfois le film imite des peintures pour montrer ces jeunes qui se croient aristos et sont plongés dans le passé ; et les gros plans s'introduisent ou la composition devient diffuse lorsqu'ils reprennent un peu d'humanité et ont des sentiments. C'est une variation très moderne de Jane Austen qui a réussi à saisir toute l'ironie de l'autrice. On rigole beaucoup contre ces riches qui se posent des questions vaines, qui se savent en danger dans la société en mouvement, qui ne sont presque que paraître et qui veulent préserver leur classe. Les dialogues sont brillants car ils parviennent à porter une satire, à être touchants quand il le faut, à se balader entre le teen et le Austen movie.
January 7, 2026 at 7:44 PM
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En octobre j'avais fait un petit dessin inspiré de l'affiche de Le chant des forêts. Et en fait j'en ai fait une version grande et tableau que j'avais oublié de partager ici. Donc la voici !
Tableau sur toile : en noir et blanc une forêt et de la brume et un cerf en ombre chinoise noire dans l'eau blanche et des fantômes de cerfs autour de lui Zoom sur le centre avec le cerf noir
January 7, 2026 at 3:55 PM
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Il semble ne plus exister grand chose de ce film. Il a presque disparu et il n'en reste qu'un fichier de télévision filmée qui passe une VHS déjà elle même fatiguée, sans sous titre et avec des accents à couper au couteau. Autant vous dire que je n'ai pas découvert Broken Highway de la façon dont Laurie McInnes l'aurait voulu. Je n'ai pas tout compris et, vu la qualité, probablement pas tout vu. Et pourtant, j'ai été assez hypnotisée à la fois par ces images devenues lynchéennes (et probablement initialement inspirées par lui) et par mon imagination qui tentait de voir ce qu'elles auraient pu être. C'est un film mystérieux où une figure plate et angélique se rend dans une ville qui s'avèrera être le purgatoire d'autres êtres humains. Le village est chaud, poisseux, on s'y ennuie et il n'y a aucun moyen d'en sortir. Les rêves sont aussi brisés que les maisons, et les trois habitants qu'on y trouve errent sans but si ce n'est celui de mourir ou partir. Et la mort leur est offerte mais ils n'arrivent pas à la prendre, et ils se battent, doutent et tout cela dans une ambiance sibylline de fin du monde façon crise financière où on ne comprend rien. Mais ce n'est finalement pas si grave car ce monde glauque et ces humains cassés se comprennent peu eux-mêmes. C'est un OVNI devenu un fantôme avec le temps qui a passé et qui l'a oublié, à l'image même de tout ses personnages. Une ironie du sort suffisante pour donner l'impression de découvrir un mythe de cinéma.
January 6, 2026 at 7:59 PM
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J'ai attendu 30 min ma ligne D puis j'ai fini par me rabattre sur la 8 à normalement 10 min de marche sans neige (ici 20 du coup).... quand j'ai atteint enfin la station j'ai compris tout ce qu'a ressenti inoxtag 🙏🏼🙏🏼
January 6, 2026 at 9:15 AM
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Je reviens avec mes reviews ici, la période s'est calmé ! En fait j'ai trouvé une plus grande liberté à écrire directement sur letterboxd donc je vous partagerai des screens désormais héhé
Dernier film de cette année avec Ari et Nino à représenter ma génération de paumé·es, Laurent dans le vent d'Anton Balekdjian, Léo Couture et Mattéo Eustachon porte avec lui toute la mélancolie tendre du monde. Le film comme les deux mentionnés précédemment suit un jeune homme qui a "tout quitté" ou du moins le voudrait. Sans désirs précis, sans réels dégoûts non plus, il trouve dans l'ambiance fin du monde d'une vallée vide et étrange une raison de continuer. Cette raison n'est pas claire, pas vraiment dessinée, un peu fragile mais elle se fait avec les autres. Il y a beaucoup de mains tenues et beaucoup de très belles étreintes dans ce film qui semble nous dire que le seul sens valable du monde c'est celui vers l'empathie et l'affection. Le film a des plus beaux plans larges de l'année où un humour évoquant Guiraudie ou Suleiman prend place dans la lumière blanche ou rose des montagnes, participant à la discrète poésie magique du long-métrage.
January 5, 2026 at 10:15 AM